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LES CAHIERS RECOMMANDENT

Les Cahiers recommandent...

Anne Kienast, Frank Noulin et Jean-François Wagniart
p. 205-217

Texte intégral

LITTÉRATURE

Les hobos, apogée et fin ?

1Jim Tully, Vagabonds de la vie. Autobiographie d’un hobo, Le Sonneur, 2016.

2Ted Conover, Au fil du rail. L’Amérique des hobos, Éditions du sous-sol, 2016.

3Publié en 1924 aux États-Unis, Vagabonds de la vie compte parmi les classiques de la riche littérature consacrée aux hobos qui s’inscrit dans les pas de Jack London, notamment le remarquable Carnet du Trimard (Tallandier, 2007), et de Leon Ray Livingston (From Coast to Coast with Jack London, 1917).

4Placé à l’orphelinat dès son plus jeune âge, puis comme garçon de ferme, Jim Tully a 14 ans lorsqu’il quitte l’Ohio, en 1901. Il devient « gamin du rail » et entre dans la grande famille des hobos, ces vagabonds saisonniers américains qui peuplent les trains. Il errera ainsi jusqu’en 1907. De trains postaux en convois de marchandises, Jim Tully se frotte aux trimardeurs les plus divers, fréquente les « jungles », partage les rêves et les plaisirs de ses nouveaux frères, parfois leur violence, vit de petits boulots et de mendicité, doit subir la répression d’une partie du personnel ferroviaire (les terribles railroad bulls) et de la police. Car ces hobos, des hommes essentiellement, voyagent souvent au péril de leur vie : entre 1898 et 1908, l’Interstate Commerce Commission a enregistré plus de 48 000 morts de vagabonds !

5Même si Tully ne fait pas partie des révoltés ou des révolutionnaires comme Joe Hill ni des wobblies (militants anarchosyndicalistes de l’Industrial Workers of the World1), il n’en a pas moins une conscience de groupe et une sympathie immédiate l’unit à ses frères ainsi qu’à tous les marginaux (en particulier les prostituées) qu’il rencontre durant ses longues pérégrinations. Il rend compte avec précision des mœurs, de l’éthique, de l’argot et, par-dessus tout, de la philosophie de ces hommes de la route. D’un bout à l’autre, cet ouvrage reste touchant dans son écriture et nous donne un témoignage précis et sensible de la situation de ces sous-prolétaires au début du XXe siècle.

6Publié en 1984, Au fil du rail de Ted Conover se situe dans cette veine littéraire, associée à la pratique de l’observation participante déjà utilisée au siècle précédent par les philanthropes dans des visées morales, mais aussi plus fraternellement par London ou scientifiquement par un ancien hobo devenu universitaire, Nels Anderson (Le Hobo, sociologie du sans-abri, 1923, Armand Colin, 2011). Ted Conover, étudiant en anthropologie d’une vingtaine d’années, décide à son tour de prendre la route avec les hobos et de partager leur vie. Au-delà des multiples aventures et rencontres, dont la chaleur humaine rappelle celle, si communicative, ressentie par Tully, ce jeune homme de bonne famille prend aussi conscience de la misère de ses compagnons qui n’ont pas choisi leur vie, contrairement à leur image romancée de bohèmes et de fils de la liberté.

Photographie d’Alan Fisher, 1935

7La publication de ces ouvrages dédiés aux hobos peut faire croire à un phénomène historique révolu (comme le vagabondage en France), mais c’est tout le contraire qu’affirme Conover : le hobo n’a pas disparu, il s’est transformé (parfois en anarchiste punk !) au gré des périodes de crise, comme la Grande Dépression des années 1930 qui en marque l’apogée, et de prospérité. Aujourd’hui encore, il rappelle à la société américaine l’existence dérangeante, souvent niée, de ses saisonniers trimardeurs et rebelles de la fin du XIXe siècle.

8Plus encore, avec l’observation participante, méthode critiquée et critiquable (voir les travaux d’Alexandre Vexliard), ces ouvrages nous apprennent à comprendre ces victimes de l’échec et du découragement, bien éloignés de la vulgate libérale du paresseux et du parasite, nous incitent à nous élever contre toutes les lois scélérates qui les stigmatisent, les répriment, et surtout à les voir avec d’autres yeux et à prendre en compte leur part d’humanité, d’amour, de révolte et de vérité.

Michèle Sarde, Revenir du silence : le récit de Jenny, Julliard, 2016.

9Michèle Sarde, essayiste dont les livres sur Colette et sur Marguerite Yourcenar ont fait date, se lance à la recherche de ses racines en faisant la biographie de sa mère, à partir de l’histoire que celle-ci lui a racontée : « Le récit de Jenny ».

10Son récit commence au XVe siècle, quand les juifs sont bannis de la très catholique Espagne. Certains se réfugient à Salonique, dans l’Empire ottoman. C’est le cas de sa lointaine famille maternelle : les Benveniste. Ces anciens gentilshommes castillans deviennent les notables de la communauté juive de Salonique, parlant toujours leur langue, le ladino. En 1912, la ville est acquise à la Grèce ; en 1917, un incendie ravage la ville et le patriarche Maïr Benveniste décide un nouvel exil pour sa tribu. Certains retourneront en Espagne, d’autres deviendront italiens ou portugais. La petite Tanja, fille de Marie Benveniste et de Saby Amon, part à Paris en 1920 : ils y rejoignent Maïr, qui a ouvert un magasin de tissu en gros, qui devient vite prospère.

11À Paris, Tanja devient Jenny et connaît une jeunesse dorée, protégée et heureuse, au sein du microcosme juif parisien de l’avant-guerre. Elle épouse en 1937 Jacques Benrey, juif bulgare, qui tient avec son père un petit magasin de tissus au détail. Le vieux grand-père Maïr meurt la même année, et Michèle – « Michou » – naît en 1939.

12L’occupation allemande, en 1940, change tout : il faut s’inscrire comme juifs à la préfecture. En 1941, le magasin de Jacques subit la spoliation, un administrateur est nommé. Les juifs doivent porter l’étoile jaune en 1942, et les rafles commencent : d’abord les juifs apatrides et étrangers. Le père de Michou est bulgare et doit se cacher, alors que la famille Benveniste est naturalisée depuis 1924 grâce à la prévoyance de Maïr. Nouvel exil, vers la zone « libre » : commence alors un périple qui les mènera à Villard-de-Lans, où de nombreuses familles juives sont protégées par le maquis.

13À la Libération, c’est le retour à Paris : la famille Benrey-Benveniste compte ses anciens amis : ceux qui reviennent, ceux qui ne reviennent pas, ceux qu’on va chercher à l’hôtel Lutetia, en vain. Dans la famille Benveniste, le sort des différents membres de la tribu dispersée a dépendu grandement des nationalités des uns et des autres. C’est alors que Jenny décide pour sa fille Michou une chose extraordinaire : elle la fait baptiser en 1947 et lui donne une éducation catholique. En 1951, Michou prépare sa communion : pourtant, contre toute attente, Jenny lui interdit de participer à cette cérémonie et lui apprend qu’elle est juive ! Michèle Sarde n’en finira pas d’interroger sa mère sur cette curieuse décision, qui fera d’elle une double renégate.

14L’intéressant est que le récit de Jenny est plein de trous, d’oublis volontaires ou non, de petits arrangements avec la vérité historique, que sa fille doit combler par des recherches : l’auteure met en scène de façon savoureuse leurs dialogues et son insistance auprès de la vieille dame qui ne veut pas se souvenir d’une histoire dont elle garde les stigmates, en oubliant que sa fille, elle, a besoin de savoir d’où elle vient. L’histoire de Jenny n’est pas sans rappeler celle d’Edgar Morin : c’est l’histoire de tous les juifs séfarades dont les diverses tribulations à travers l’Europe, depuis le Moyen Âge, ont encore des répercussions sur leurs enfants d’aujourd’hui.

Jacques Baujard, Panaït Istrati, l’amitié vagabonde, Éditions Transboréal, 2015.

15Ce livre charmant de Jacques Baujard n’est pas à proprement parler une biographie : c’est un voyage dans la vie et l’œuvre de l’écrivain roumain de langue française. La présence de l’auteur est constante : il dit tout son amour pour le personnage de l’éternel vagabond. Ne cherchons donc pas de chronologie des faits qui constituent la vie très compliquée d’Istrati : il s’agit davantage de montrer comment son œuvre s’est constituée à partir de ses tribulations. De l’enfance roumaine passée surtout à la campagne, il a tiré la poésie des descriptions dans Les Chardons de Baragan (1928). Écrivain autodidacte, c’est le français qu’il choisit comme langue d’écriture, à une époque – bien lointaine, hélas ! – où Paris était le refuge des artistes internationaux : le Paris de l’entre-deux-guerres. Il s’invente un double, Adrien Zograffi, et rédige des romans de ses aventures, par cycles, à la fois inspirés par ses voyages et par les contes et légendes de Roumanie, puis finalement de toute l’Europe de l’Est. En bon « istratien », Baujard sait faire vivre ce personnage savoureux : ses voyages qui le mènent de l’Égypte à la Russie, les mille petits boulots qu’il exerce, ses querelles avec son ami Kazantzákis (ou Kazantzaki, l’auteur du roman Alexis Zorba), son admiration débordante pour Romain Rolland, qui n’en demandait pas tant, ses amours tumultueuses...

Panaït Istrati (à droite) avec Nikos Kazantzakis et sa seconde femme (Eleni) à Nijni Novgorod en 1928

16À la fin du livre, un petit guide de « l’univers d’Istrati » : nous nous joignons à Jacques Baujard pour recommander chaudement l’édition des Œuvres de Panaït Istrati, regroupées et commentées par la merveilleuse écrivaine Linda Lé, aux éditions Phébus (2015).

FILMS

Ken Loach à l’assaut de la bureaucratie libérale : Moi, Daniel Blake, 2016, 100 min.

17« En tant que cinéaste, nous avons le pouvoir de montrer les choses telles qu'elles sont et également celui de suggérer comment elles pourraient être. L'extrême droite réussit lorsque les gens se sentent désespérés, nous nous devons de redonner l'espoir. L'espoir se loge dans l'esprit de résistance, dans le sens de la justice sociale ainsi que dans la solidarité et la force qui habitent nos voisins les travailleurs ».

18(Déclaration de Ken Loach lue à la remise du César du film étranger, le 24 février 2017).

19Bouleversant et terrifiant, tel nous apparaît le dernier opus d’un Ken Loach au mieux de son art pour dénoncer la mise à mort du pauvre, en décrivant l’acharnement d’une bureaucratie anglaise devenue modèle mondial du néolibéralisme, qui décourage, sanctionne, exclut et rabat les individus vers un statut dépréciatif à travers la mise en place de mécanismes rodés de déshumanisation. Si beaucoup de critiques ont mis en avant, à juste titre, le choc émotionnel que suscite le film, il est avant tout le portrait d’un système économique destructeur qui envahit toute la sphère sociale.

20Vu d’ici, le système français de chômage et d’assistance paraît certes moins sévère que celui du Royaume-Uni, mais la dynamique est semblable depuis quelques années2. La responsabilité de « l’assisté » est de plus en plus mise en cause. Comme Blake, il doit signer un contrat, faire des démarches dont il doit sans cesse rendre compte, se justifier et s’humilier. Avec ses dispositifs, l’administration de la pauvreté, du chômage et du handicap devient un monde à part, difficile à décoder pour des personnes fragilisées et marginalisées. Le langage bureaucratique disqualifie les savoir-faire (Loach insiste au contraire sur les qualités de menuisier de son héros) et impose des manières d’être.

21Confronté à ce système totalement informatisé, Daniel Blake devient ainsi un cas administratif, un ayant droit bénéficiant d’une aide sociale, mais dont l’histoire personnelle est peu à peu niée. Baladé d’un guichet à un autre, face à des travailleurs sociaux incapables de lui apporter des réponses, réagissant eux-mêmes trop souvent comme des machines serviles, Blake est vite dépassé. Il ne peut alors que commettre des erreurs provoquant des sanctions très sévères, qui l’entraînent un peu plus vers l’exclusion. Tout cela est délibéré et rappelle au Royaume-Uni une tradition ancienne, celle de la loi d’assistance de 1834 et du système des workhouses, instituant déjà la culpabilité du pauvre et la violence institutionnelle imposée en échange de toute aide sociale.

22Ces procédures réactualisées sont toujours censées valoriser l’autonomie, mais elles sont si contraignantes qu’elles plongent Blake dans l’anomie. Son monde se ferme et il oscille entre résignation, abandon physique et explosion de frustration. Pour Ken Loach le militant, il n’y a qu’une seule issue : la résistance.

23Dans cet univers loachien, c’est la « personnalité bureaucratique3 », obnubilée par le respect de la règle et l’obligation de suivre un comportement standardisé comme impératif absolu, qui est dénoncée. À force de considérer que la règle est « sacrée », les êtres fragilisés en arrivent à devenir des automates. Ce système, à défaut de les tuer comme Daniel Blake, aboutit à leur inefficacité d’un point de vue économique mais aussi à leur dépersonnalisation ou encore les mène à cultiver une haine sociale qui les pousse trop souvent dans les bras de l’extrémisme politique, par manque d’autres alternatives de combat et de solidarité.

24Merci encore une fois à Ken Loach, qui redonne au cinéma social son éternelle jeunesse, sa vitalité et sa farouche résistance.

Fais de beaux rêves, film italien de Marco Bellocchio, 2016, 140 min.

25Fais de beaux rêves est un film attachant de Marco Bellocchio, réalisateur italien vétéran, engagé, qui revient sur un de ses sujets de prédilection : le rapport à la mère, ici disparue dans des conditions tragiques ignorées de son fils. Fais de beaux rêves se voit, d’après le réalisateur, comme un parcours, celui de Massimo, que l’on suit de l’enfance à l’âge adulte. À travers l’interprétation de ses rêves et l’analyse de son inconscient, le film soulève de nombreuses questions : comment nier la réalité de cette disparition ? Comment fuir par le travail ce deuil impossible ? Comment ressentir et aimer encore après un si grand amour ?

26Au-delà de l’émotion et des qualités impressionnantes de la mise en scène et du travail sur l’image, le film aborde en pointillé la situation de l’Italie d’aujourd’hui. Si ce vétéran du septième art reste optimiste sur l’avenir du cinéma italien, il est beaucoup plus noir sur la société italienne en éternelle crise et la possibilité de faire un cinéma encore engagé, tant l’absence de projet alternatif laissée par l’ère berlusconienne, la montée du populisme et le consumérisme du spectacle politique, ont miné et appauvri la réflexion des intellectuels.

EXPOSITIONS

« The Age of Anxiety ». La Peinture américaine des années 1930

27Musée de l’Orangerie du 12 octobre 2016 au 30 janvier 2017

Grant Wood, American Gothic (1930)

28On le sait, la Grande Dépression des années 1930, de par sa violence et sa durée, a provoqué la plus grande crise qu’aient jamais connue les États-Unis. Un peuple entier – chez qui la confiance, voire la croyance en soi peut confiner à l’auto-idolâtrie collective – a été saisi de doutes, parfois vertigineux, à l’égard de sa propre civilisation et des vertus qu’elle était censée véhiculer. Effondrement économique, résurgence de la misère dans un pays qui se voulait à l’avant-garde du progrès matériel, tensions sociales et ethniques sur fond de montée des fascismes et de marche inexorable à la guerre : les États-Unis connurent bien alors un « âge d’angoisse » – titre emprunté au grand poète britannique Wystan Hugh Auden –, qui vit pour autant une production artistique d’une grande richesse, quelque peu méconnue, en tout cas en France. C’était le grand mérite de cette exposition de rendre justice à ces nombreux artistes qui surent tracer leur voie et exprimer avec talent leurs convictions, en des temps de désarroi et de ténèbres.

29Tout d’abord, certains d’entre eux semblent vouloir exorciser la crise. Ainsi Charles Sheeler multiplie-t-il les paysages industriels figés, vides de toute présence humaine, où les usines sont rendues avec une précision maniaque, ce qui ne laisse pas de susciter chez le spectateur perplexe un léger sentiment d’inquiétante étrangeté : nostalgie d’une puissance industrielle fétichisée tant elle faisait la fortune des États-Unis ou simple fascination pour la beauté froide de ces formes géométriques ? D’autres artistes exaltent une Amérique mythifiée : les uns convoquent les grandes figures et les moments fondateurs du passé pour mieux refonder une identité collective mise à mal, les autres, membres du courant « régionaliste », mettent en scène une Amérique rurale fantasmée, hors du temps et paisible, loin des miasmes des grandes villes. Les visions idylliques de Grant Wood, où règne une harmonie doucereuse entre les êtres et la nature, en sont le plus célèbre exemple. Néanmoins, Wood lui-même n’est peut-être pas complètement dupe du mythe. Son iconique American Gothic (« Gothique américain ») livre une évocation ambiguë du vieux fond puritain qui hante l’imaginaire collectif étatsunien, en campant un couple de fermiers au faciès sévère. De son côté, Alexander Hogue dépeint dans son saisissant Erosion n° 2 - Mother Earth Laid Bare (« Érosion n° 2 - La Terre-Mère mise à nue ») une Terre au corps de femme épuisé par le travail des hommes et la terrible sécheresse qui sévit dans une partie du Centre-Ouest des États-Unis à cette époque.

30D’autre part, on peut fuir la crise en cherchant à s’étourdir pour oublier un quotidien difficile. Divers artistes, comme Reginald Marsh, dépeignent le tourbillon de la ville où des foules anonymes se mettent en quête d’un divertissement – presque au sens pascalien du terme – à bon marché. Pour autant, comme le souligne le superbe NY Movie (« Un cinéma à New York ») d’Edward Hopper, la foule qui s’entasse dans les salles reste solitaire, profondément aliénée par les distractions de masse et leurs fausses promesses. Et ceux que le malheur des autres console de leur propre misère peuvent toujours se repaître des Dance Marathon qu’évoque Philip Evergood, « marathons de danse » durant lesquels de pauvres hères tournent des jours durant dans l’espoir de remporter le prix salvateur4.

31D’autres artistes soulignent d’ailleurs que l’effet le plus tragique d’une crise est de venir détruire les personnes de l’intérieur, en sapant la confiance en soi et l’appétit de vivre, et se donnent à voir défigurés, bouleversés, leur être entier mis en péril : Walt Kuhn se dépeint sous les traits d’un clown anxieux (Portrait of the Artist as a Clown : « Portrait de l’artiste en clown »), Ivan Albright sous les espèces d’un reflet torturé, presque monstrueux (Self-portrait : « Autoportrait » ), tandis que Helen Lundenberg décrit avec une angoisse profonde le passage du temps qui n’apporte ni évolution ni épanouissement, mais répétitivité et solitude existentielle (Double Portrait of the Artist in Time : « Double portrait de l’artiste à travers le temps »).

32Enfin, le doute et l’inquiétude se traduisent aussi en colère.

33Colère de Grant Wood contre un pays qui a perdu ses idéaux originaux pour se figer dans la pruderie et les certitudes puritaines : ses « Filles de la révolution » (la société féminine Daughters of the American Revolution, dont les membres sont censées avoir un ancêtre qui a participé à la « révolution américaine », se veut la gardienne du glorieux passé et des valeurs étatsuniens) ne sont plus que d’impavides mémères qui nous considèrent sans trop d’aménité.

34Colère de Joe Jones contre l’exploitation éhontée dont sont victimes les dockers de Saint-Louis (Roustabouts : « Hommes à tout faire »). Colère du même contre les exactions racistes et le lynchage dans le foudroyant American Justice (« Justice américaine »), tandis que le très beau Aspiration d’Aaron Douglas, artiste majeur de la « Renaissance de Harlem », évoque les aspirations des Africains-Américains qui, après avoir rompu les chaînes de l’esclavage, exigent une émancipation complète par l’accès au savoir et à la culture.

35Colère aussi contre la barbarie qui gagne peu à peu le monde. Philip Guston reprend la forme ancienne du tondo, peinture sur support circulaire ou en forme de disque pratiquée notamment à la Renaissance, pour exprimer son indignation face au bombardement de Guernica (Bombardment), alors qu'Osvaldo L. Guglielmi s’efforce d’alerter le spectateur sur la montée des périls en montrant le pont de Brooklyn détruit par un bombardement (Mental Geography : « Géographie mentale »). Enfin, The Eternal City (« La ville éternelle ») de Peter Blume fait de Mussolini une figure grotesque jaillissant comme un diable de sa boîte au milieu des vestiges glorieux de la Rome antique. Dérision salutaire, mais aussi angoisse profonde de voir une civilisation entière se transformer en champ de ruines.

36Voilà donc de nombreux artistes à découvrir ou redécouvrir, dont les œuvres vibrantes nous rappellent à quel point l’art est nécessaire en temps de crise. À méditer, alors que notre époque ne manque pas de points communs avec les années trente.

37Catalogue publié sous la codirection de J.A. Barter, A.K. Madsen, S.K. Oehler, S.L. Burns, T.A. Carbone, musées d’Orsay et de l’Orangerie/Hazan, 204 p., 112 ill.

Robert Cartier-Bresson

38Robert Cartier-Bresson, Images à la sauvette, Éditions Steidl, 2014.

39Robert Cartier-Bresson, Photographies, Éditions Photopoche, 2004.

40Exposition Cartier-Bresson, Fondation HCB, 11 janvier au 23 avril 2017.

41Les éditions Steidl ont publié un fac-similé du célèbre premier album de photographies de Cartier-Bresson, Images à la sauvette (1952). Le livre est superbe : il contient les œuvres les plus connues de l’artiste, des photos intimistes de la France populaire des années 1930 à celles prises au cours de ses voyages à travers le monde, en Espagne, en Inde... Il reproduit également la couverture de Matisse et les commentaires de Cartier-Bresson. C’est une réédition monumentale, un beau livre mis en vente au prix de 98 €. Était-il nécessaire que la fondation Cartier-Bresson présente, pour accompagner cette publication, une exposition (8 € l’entrée) sur trois salles des photos les plus célèbres du célèbre photographe ? Le procédé commercial peut paraître un peu grossier... Si on veut découvrir l’œuvre de ce grand artiste, nul n’est besoin de dépenser une telle somme : la charmante collection « Photopoche » la rend accessible au plus grand nombre !

Expositions Soulèvements (Musée du Jeu de Paume) et The Color Line (Quai Branly)

42Malheureusement terminées, elles avaient un point commun : elles mettaient en lumière, l’une dans un cadre international (mais largement axé sur les terrains européen et américain) et l’autre dans le cadre étatsunien, le visage le plus hideux de l’oppression (répression des mouvements d’émancipation, racisme et lynchage) et le besoin, la beauté, l’inventivité de la résistance des artistes engagés face à un ordre établi qui méprise les peuples et discrimine les minorités.

43Elles laissent également deux beaux catalogues à ne pas manquer :

44Soulèvements, Coédition Gallimard/Jeu de Paume, Livres d'Art, Gallimard, 2016.

45Daniel Soutif (dir.), The color line : Les artistes africains-américains et la ségrégation 1865-2016, Flammarion, 2016.

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Légende Panaït Istrati (à droite) avec Nikos Kazantzakis et sa seconde femme (Eleni) à Nijni Novgorod en 1928
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Légende Grant Wood, American Gothic (1930)
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Pour citer cet article

Référence papier

Anne Kienast, Frank Noulin et Jean-François Wagniart, « Les Cahiers recommandent... », Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique, 134 | 2017, 205-217.

Référence électronique

Anne Kienast, Frank Noulin et Jean-François Wagniart, « Les Cahiers recommandent... », Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique [En ligne], 134 | 2017, mis en ligne le 01 avril 2017, consulté le 16 août 2017. URL : http://chrhc.revues.org/5817

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